\section{Involution 01 ou l'art de la renaissance}

La Balsamine est un lieu d'amour. Elle fût découverte, en son
temps, dans sa brutalité; sombre caserne qui abrita le régiment
des carabiniers et servit d'hôpital militaire allemand. Puis, un
jour, une femme entra dans cette friche improbable et, récupérant
ses saignements d'eau, scella ad vitam aeternam un lien physique
qui deviendra méta.

C'est dans cet espace que nous désirons vous accueillir, comme une
lumière sortant de l'obscurité, comme un non-lieu, un cadre sans
tyrannie, une troisième dimension de l'espace plus temporelle que
géométrique.

A l'aube de la renaissance, nous vous convoquons à rejoindre nos
rangs utopistes car aucun effort ne doit être négligé pour en
faciliter le partage. Ainsi, cette force d'incantation que, vous,
publics, déployez par votre présence au théâtre; oui, cette force
n'a pas de commune mesure, elle reste politiquement incorrecte. En
ce sens, ceux qui cherchent à comprendre l'art, cherchent à
comprendre ce qu'ils mettent en place comme système, ils inspirent
le désir de penser autrement. Renaître c'est redécouvrir, redonner
une chance à ce que l'on voit, l'appréhender avec toute l'innocence
qu'il se doit et construire un esprit de renaissance perpétuelle.
La mort n'est jamais loin de nous et elle n'attend pas la finalité
physique pour nous saisir, d'où cette sensation de théâtre unique,
cette expérience vivante à saisir. Avec vous, expérimenter une
traversée saisonnière, une odyssée épique.

Au delà du bien et du mal, le théâtre n'étant pas un produit, car
on est artiste par nature avant de profession et, l'idée de suivre
ou de voir un processus créatif ne tient pas au seul fait de
l'encenser ou de le dénigrer.

Si ces premières raisons ne suffisent pas à éveiller votre intérêt,
sachez que nous viendrons vous chercher là où vous êtes, dans
l'espace public, afin de communiquer notre passion, d'établir une
connexion sincère, nette. D'ailleurs, pour ceux qui ne le sauraient
pas encore, sachez!!! que la Balsamine (botaniquement parlant) est
une fleur dont la caractéristique principale est d'être invasive,
d'où sa résistance, sa persistance à traverser les âges et à
s'agglutiner dans vos jardins privés.

Dés lors, aujourd'hui, au risque d'un arrachage forcé, nous
aimerions poursuivre cette invasion, cette conquête d'une famille
pour un rassemblement des plus heureux et que l'on espère le plus
vrai.

Comme il n'est pas de système qui n'ait été tour à tour victorieux
et vaincu, pas de principe qui n'ait été attaqué, l'œuvre d'art ne
saurait plus se réclamer désormais de sa fidélité à telle ou telle
règle plus ou moins orthodoxe, à tel ou tel dogme plus ou moins
officiel. Elle ne vaut que par l'acte de l'artiste et de par la
clairvoyance des témoins. On a dit que la vérité d'une doctrine se
mesure au talent de ses défenseurs; cette pensée, contestable en
morale et en philosophie, s'appliquerait fort bien à ceux que nous
avons choisis. De même, tous ceux qui viendront soutenir du regard
les œuvres présentées, participeront à cet engagement.

La Balsamine fût un lieu de stratégie où pendaient des cartes
d'état-major. Un terrain de guerre, donc! Une matière à vivre, à
sentir, percevoir, en se jetant dans la masse tout en sachant que
l'on ne peut pas mourir ou que l'on dispose de plusieurs vies ou
que notre armure semble impénétrable ou que l'enjeu ne repose sur
aucune perte. Juste le désir de se battre pour la cause, s'engager
comme de joyeux fantassins et s'exploser sur le champ de batailles
incongrues. Formellement, nous sommes en place chargés de sueurs et
d'angoisses, prêts à pleuvoir, parer pour le débarquement. Le
virage fut serré mais il ne nous a pas amené dans un mur. Du moins
pas encore et puis, si c'était le cas, nous ne nous «crasherions»
pas dans la soupe pour autant.

En terme d'art, nous sommes angéliquement comblés car nous avons
une troupe armée jusqu'aux dents, une équipée sauvage soutenue par
un nouvel administrateur artistico-financier de large gabarit, en
la personne de Laurent Henry. Nous saluons, d'ailleurs, son arrivée
avec le plus grand enthousiasme car on ne peut faire la guerre sans
argent, il faut se donner les moyens de creuser les tranchées,
réunir les diverses galeries d'art du réseau B. Mais est-ce la
guerre, tuerons-nous réellement? Nous abattrons de sang froid les
idées reçues, nous partagerons Dubuffet avec les résistants, nous
accueillerons les refusés, les amputés, les martyrisés, les
traumatisés et nous créerons une mémoire collective de la
théâtralité annexée. Certes, le terme pétarade un peu fort, une
guerre avec des meurtres silencieux et des cadavres
méconnaissables, cela a un goût de «déjà vu»!

En somme, n'est-ce pas plutôt une insurrection joyeuse, un
soulèvement permanent, ou comme l'exprime si judicieusement la
phrase de Clarke: « l'insatisfaction venait de pénétrer dans son
esprit, il venait de faire un pas de plus vers l'humanité». D'où
l'idée de processus qui ne mène à aucune finitude. La
représentation n'est que la prémisse d'une autre pulsion de mort,
d'une nouvelle guerre paradoxale, une guerre involutive, sans début
et sans fin, un état guerrier en soi.

Pour avancer, il ne faut plus être dans un processus d'espérance
mais plutôt de responsabilisation, chacun à son endroit. Notre
désir ne tient pas à se perdre dans des fantasmes ou des chimères,
«il faut tout accomplir le mieux possible et être détaché du
résultat», nous pouvons cultiver nos désirs et nous détacher peu à
peu des attentes. Rien ne pourrait mieux résumer ce en quoi nous
croyons fondamentalement. La seule chose que nous ne désirons pas,
c'est nous extraire du temps, devenir passif face à la pratique.
Cette liberté se gagne par le travail et le travail, elle ne tolère
pas l'immobilisme et engage au combat quotidien, le seul moyen de
lutter contre la frustration.

L'essence de cette prochaine éclosion, c'est entretenir sa vertu
plutôt que son vice, car la victoire ne dépend pas de nous et c'est
cela qui rend tout possible!

-- Fabien Dehasseler – Monica Gomes

\section{Martine Wijckaert}
\role{artiste associée, Trilogie de l'enfer}

Pour ceux qui se demandent quelles seront les prochaines aventures
de Martine, nous tenons à vous informer de la trajectoire que
prennent les récents évènements. Martine ne créera pas l'année
prochaine, ce qui ne veut pas dire qu'elle ne sera pas en état de
création! Bien au contraire, de nombreuses étapes jalonneront la
préparation de sa prochaine trilogie. En effet, Martine descendra
en enfer, elle ira sous, au-dessus et dedans et, telle la Béatrice
de Dante descendra au plus profond de son écriture en quête de la
jeunesse qu'elle n'avait jamais perdue. Car, il faut le dire,
metteuse en scène plus que confirmée, c'est, aujourd'hui, une
auteure jeunette qui se déploie dans cette seconde trilogie
infernale. Notez donc, admirateurs nombreux, fidèles
accompagnateurs de l'œuvre, que Martine publiera sa prochaine
trilogie chez Sens \& Tonka en novembre prochain. Profitant de cet
événement, nous acterons plusieurs lectures dans deux coins de la
francophonie, Suisse et France, et les autres coins ne demanderont
qu'à suivre pour le plus grand plaisir des oreilles en quête
d'écoute littéraire de haut vol. Comme chacun le sait, Martine
Wijckaert déborde d'une énergie à faire pâlir tous ceux pour qui le
travail semble une fonction. Dés lors, elle n'arrêtera pas de
préparer le terrain de sa nouvelle création théâtrale, prévue pour
Novembre 2012, au Théâtre de la Place qui lui offrira ses premiers
pas de représentations.

Puis, dans l'ordre des choses, elle reviendra, dans sa demeure, ce
théâtre de la Balsamine qu'elle a fondé et soutenu et bien plus
encore depuis quelques décennies maintenant; elle reviendra, donc,
pour déposer ce travail et l'offrir à tous ceux qui voudront le
voir pour y croire.

Le texte est matière, il est une composante à part entière, un
nouveau pan dans le processus évolutif de la recherche, un nouveau
trip artistique à la dimension «folisophique» de la bête humaine.
Un nouveau triptyque chargé d'amour, d'alcool et de guerre. Peut-on
résumer Martine, peut on parler de ce qu'elle transmet, de la trace
qu'elle laisse et laissera pour toute une génération d'artistes?
Terrestre, terrestre, une toute petite fille sur les terres de
Bruges. Nomade insatiable.

Martine en voyage, Martine cherche la petite fille, Martine au
Grütli, Martine et les verres de cristal, Martine et les éléphants
gris, Martine parle avec son père, Martine à l'hôpital, Martine
partout. La mère, la fille, la petite fille, tout est affaire de
transmission, tout est question de don, de la Vierge, du féminin
sacré, de la maison de poupées ,de la théâtralité, de la mort,…, du
temps et de l'espace, toujours comme deux axes essentiels.

Être associés à cette artiste, nous semble être une bénédiction car
son âme libertaire nous inonde et nous pousse à accomplir ce qui
nous semble le plus essentiel au théâtre: une parole! Une parole
mère fondatrice, une esthétique rare dans le paysage aride de nos
pères. Une longévité et une persévérance sans failles qui invite au
respect quiconque la croise.

Martine est là! Elle est collée à jamais sur la toile de
l'existence.

\section{Pierre Megos}
\role{artiste en habitation, Visions}

Electron libre, spectre, architecte de son propre chantier, pythie
de la Balsa,…, la dénomination importe peu. Pierre Megos, artiste
protéiforme par essence sera présent en nos murs cette saison, il
squattera été automne hiver printemps la pièce dévolue à sa
recherche artistique. Puis, il métaphorisera, il créera du chaos
autour de lui et, finira par envahir, le théâtre tout entier. Comme
il le dit, si justement, proposer des visions, c'est «poser tout
simplement un regard sur ce qu'on ne connaît pas encore.»

Son travail de création et de recherche se base essentiellement sur
le désir, les fantasmes que le théâtre lui procure. Ce sont
purement des projections personnelles de désir brut. Celui-ci est
multiple, il peut se porter sur un objet, un costume, une œuvre
d'art, une performance, une pièce, un lieu, un thème\ldots{} Le
geste créatif est purement instinctif, comme les tentacules d'une
pieuvre qui captent tout ce qui lui plaît ou, comme un satellite.
Vient ensuite un travail associatif d'idées et de dramaturgie pour
permettre de faire apparaître le sens profond d'un éventuel
spectacle. L'inspiration de son travail est tirée de mythologie
antique ou contemporaine qu'il analyse puis s'approprie en
imaginant sa narration au théâtre. Prenant pour thème la mythologie
urbaine liée à la fin du monde, prévue le 21 décembre 2012. Les
thèmes principaux de ces visions seront le futur, la transmission,
le temps, l'héritage, la famille.

Artiste démesuré, profil grec inattendu, il créera la matière de ce
troisième spectacle de sa vie professionnelle, triptyque
inconscient et obsédant depuis qu'il revêt différentes parures
héroïques: Fucking boy à ses heures, Hercule en douze travaux, et
en ce jour, prophète des temps modernes.

Parallèlement à ces visions, le processus de travail sera mis en
scène. Ainsi, vous serez les voyeurs de ses révélations en cours
d'éruption. Pour réaliser ce projet, il a l'intention de créer une
web tv qui pourraretransmettre en direct le travail effectué
quotidiennement, diffuser les représentations publiques ainsi que
la parole et le travail d'autres artistes invités sur cette même
web tv. Il aimerait transformer la buanderie du Théâtre de la
Balsamine en galerie d'art et y construire une maisonnette qui
serait la représentation de son habitation et de son lieu de
travail. Ce lieu lui permettra de travailler en toute liberté tout
en répondant aux spectacles programmés au cours de la saison soit
par le biais d'exposition sculpturale ou vidéographique soit par
performance précédant le spectacle…

Un œil du cyclope pour une vision en cinémascope. Pierre Megos va
nous faire du théâtre en 16/9, en HD, en scénarios catastrophes, en
apocalypse maya. Que demande le peuple?

\section{Claude Schmitz}
\role{artiste hors-scène, Salon des refusés}

Le Salon des Refusés (sans jury ni récompenses) fait écho au salon
éponyme qui se tint à Paris en 1863. A cette époque, le jury du
salon officiel de peinture et sculpture, désigné par les membres de
l'Académie, refusa près de trois mille œuvres sur les cinq mille
envoyées. Suite à cette hécatombe, les postulants exclus
déclenchèrent une polémique qui déboucha, avec ordre de l'empereur,
sur la création d'un salon dit des refusés. Inutile de préciser que
cette décision fut largement contestée par l'Académie et les
artistes officiels. Pourtant, parmi les exposants refusés qui
subirent les quolibets des visiteurs et critiques, on pouvait voir
ici un Manet, là un Pissarro\ldots{} une partie des fondateurs de
la modernité, ceux qu'on nommera plus tard les Impressionnistes.

Dans la situation qui nous occupe, le Salon des Refusés prendra la
forme d'une boîte placée au centre du foyer de la Balsamine. Ce
cube aux dimensions modestes - véritable théâtre dans le théâtre -
proposera une programmation parallèle non officielle. Les idées qui
y seront matérialisées sont celles qui, dans notre esprit, ne
peuvent appartenir aux scènes officielles parce que nous les
jugeons, dans un sursaut de lucidité ou d'autocensure, indignes.
Ces rebuts qui auraient dû disparaître dans les oubliettes de nos
pensées obscures, et auxquels les spectateurs ont réchappé souvent
de justesse, ont trouvé ici, in extremis, un espace d'expression et
d'épanouissement pour le meilleur et pour le pire, mais sans jury
ni récompenses. Bien que nous nous soyons tout d'abord opposés avec
vigueur à ce projet, les idées refusées ont obtenu l'aval d'une
instance supérieure et nous avons été contraints de leur céder ce
salon comme terrain de jeu. Par ailleurs, il nous est difficile de
ne pas reconnaître la paternité de ces mêmes idées. En effet, bien
que mauvaises, elles n'en demeurent pas moins nôtres. Ainsi il nous
faudra, faute de faire d'une idée refusée une idée orpheline,
assumer leur concrétisation. Peut-être que cette initiative
permettra tout de même de révéler, ici ou là, le vrai spectateur
séparant toujours le bon grain de l'ivraie, un brin de Déjeuner sur
l'Herbe ou encore un doigt de pied d'Olympia\ldots{} rien n'est
moins sûr.

Salon des Refusés sera composé de cinq épisodes qui, sans proposer
de lien narratif évident entre eux, entretiendront des résonances,
mélangeant les formats, les genres et les sujets dans un pêle-mêle
carnavalesque. Chaque épisode sera donc à la fois une partie et un
tout.

Soyons clair, malgré l'humour qui devrait, lors de ces quelques
soirées, suinter des murs du Salon, nous parlerons bien de la
fragilité de l'acte de création, de la notion de réussite ou
d'échec dans le monde de l'art et de la précarité de toute
entreprise artistique. Enfin, cette dramaturgie éclatée se
coordonnera autour de la progressive destruction physique du dit
Salon, espace transitoire, qui au terme de la saison aura
totalement disparu du théâtre. Pratiquement, les cinq épisodes
seront représentés une seule et unique fois, conférant à l'ensemble
du projet sa dimension performative. A ce principe s'ajoutera un
mode de production minimal basé en grande partie sur un volontariat
bienveillant et un temps de répétition condensé sur des périodes
courtes voire très courtes. Les intervenants du Salon des Refusés
seront divers (acteurs, non acteurs, performers, etc.

\startinfos
Comité central refusé:

Calendrier Claude Schmitz
Maintenance Boris Dambly

Episode 1: le 21 septembre 2011
Episode 2: le 19 novembre 2011
Episode 3: le 13 janvier 2012
Episode 4: le 5 mai 2012
Episode 5: le 15 juin 2012
\stopinfos

\section{Autoportants}

Ce projet se base sur l'idée de questionner l'espace public et sa
représentation. Installer (avec ou sans autorisation) un espace
artistique sauvage et poser question au public convoqué ou en
présence, ou en passage,… créer une zone d'intention poétique,
politique, créer des relations spontanées avec les habitants
bruxellois dans leur ensemble, laisser des traces dans la mémoire
collective ou individuelle, créer un réseau où la Balsamine se
représente comme un théâtre nomade loin de l'institution. Et si
l'occasion se présente, la performance pourrait être suivie d'un
débat à vif, d'un petit échange à l'endroit où on ne l'attendait
pas. Une sorte d'art relationnel où l'on sollicite esthétiquement
le spectateur par un raccourci, par l'installation symbolique
autonome. Tisser un lien et peut-être cette première édition
ouvrira une seconde sur des personnalités artistiques ou non, mais
qui questionneront l'art tout autant dans son espace économique que
architectural ou anecdotique.

Autoportant pour un autoportrait. Une structure privée où est
enfermé un artiste se posant des questions sur sa pratique. Pour ce
faire, nous convoquerons des intervenants provenant de différentes
disciplines: le cinéma d'animation, le théâtre, les arts
plastiques, la musique…

Poser un regard sur sa praxis est l'enjeu de cet enfermement
symbolique où celui qui se met au service devient l'initiateur de
sa propre création.

Comment l'introspection sur soi oscille entre l'individuel et
l'universel, l'autoportrait s'élargissant aux dimensions de
l'humanité toute entière.

Pour ce faire, nous avons demandé à Boris Dambly, scénographe, de
proposer une structure rejoignant la philosophie de ce projet à
part. Etant le créateur de cet espace autoportant, il sera l'un des
pratiquants du concept et intègrera ou pas, sa propre installation.
Les autres intervenants sont Berdine Nusselder (comédienne),
Isabelle Nouzha (plasticienne / vidéaste), Arnaud Poirier
(musicien).

Chaque intervenant choisira un lieu et un temps pour déposer la
structure et représenter la forme qu'il aura engendrée. A nous de
pousser les portes et d'obtenir les autorisations nécessaires pour
que l'évènement soit. A vous de nous rejoindre, dés que nous vous y
convierons…

Au-delà de l'acceptation, il sera intéressant de voir jusqu'où nos
libertés s'arrêtent et à quel point le surgissement du vivant a
encore sa place dans notre société!

\section{Ichem Dahes}
\role{Photographe associé}

\startblockquote
\quotation{Les intentions des artistes s'estompent avec le temps, il ne reste que des œuvres qui se ressemblent. Les discours qui justifiaient la création deviennent des spectres qui abandonnent leurs corps.}

-- Hichem Dahes/ Lume \& Lustro
\stopblockquote

L'illumination au sens de la révélation, c'est un peu le
cheminement qui nous conduit à Hichem. Ecœurés par le déversement
d'images que propose notre société, nous désirions revenir à une
cohérence d'image, à un lien esthétique entre les différents
visuels en présence.

Vu que nous placions l'artiste au centre de nos préoccupations,
l'idée du portrait est très vite devenue évidente. Toute la
dimension du portrait en photographie est de se confronter à
l'illusion de la ressemblance, la confusion des apparences avec la
vérité artistique. Enfin, nous tombons sur le travail d'Hichem qui
pose, au centre de sa recherche, la question du faux. Face à son
travail de portraits, nous sommes devenus plus fanatiques que
sceptiques. En effet, il y a dans sa manière de voir, une
transcendance qui détruit l'illusion et devient expérience, par le
fait qu'il déconstruit ses propres fondements
technico-idéologiques.

L'artiste seul dont le visage seul émerge de l'ombre ou sur un
arrière fond structuré, parfois tourmenté, reflet de sa propre
tension interne. Ou encore, vision du monde en arrière fond, par
une fenêtre ouverte sur l'extérieur. Tension également dans les
temporalités entre modernisme et période pré-renaissance. Ses
références sont celles de la peinture de l'époque: Jan Van Eyck,
Hans Memling, Petrus Christus…

Dans le regard du portrait, il y a toujours quelque chose de
contemporain. Ainsi, les yeux de l'artiste qui vous regarde, cet
échange, cette communication abolit les références historiques. Les
portraits sont de notre temps, ils condensent le temps dans une
immédiateté, dans un moment arraché à l'instant.

La rencontre de deux univers, de l'artiste photographe et de
l'artiste théâtral nous séduit assez. Car, l'interaction entre le
portraitiste et le portraituré est à son apogée. Tout devient
influence dans le cadre esthétique du photographe. Une posture, un
objet. Le photographe fusionne avec son modèle et l'entité devient
double.

Hichem Dahes travaille sur l'hybridité. Il applique, comme il le
dit si bien, aux objets réels un mouvement imprévu, il est guidé
par une intuition sensible qui se plaît à recycler, à collectionner
des résidus d'ouvrages humains.

Bien évidemment, il y a un risque à cette confrontation directe, à
cette médiation forcée et même si le regard peut fuir dans
l'imaginaire, même là, il rejoint le réel. Dans ce couple
improbable, réuni le temps d'un cliché, il y a la rencontre de deux
désirs et rien au départ ne prouve qu'il y aura coïncidence entre
les deux. Mais c'est là le challenge de tout processus artistique.

\section{Speculoos}
\role{Graphistes}

Changer de direction, c'est souvent changer sa ligne graphique.
Changer de peau en soi, faire remarquer sa nouvelle présence,
forger son image, se faire une réputation. Mais est-ce aussi simple
que cela, est-ce que cela tient uniquement à cette façade de sa
propre reconnaissance?

Ce qui est certain, c'est que, comme chaque relation que nous
voulions entamer, l'idée du dialogue et du processus devait
exister. Voilà pourquoi, il était important de rencontrer des
personnalités philosophiquement engagées dans ces deux
propositions.

Instinctivement, nous sommes allés vers Speculoos. Dans le cadre
des deux étymologies latines, nous savions que nous aurions droits
à des observateurs épicés et, ce fut le cas. La rencontre eut lieu
et elle se révéla pleine d'attention et de goût.

Notre interlocuteur principal fut Pierre Huyghebaert, homme
cohérent, métaphore d'une curiosité jamais satisfaite. Avec lui, la
notion de réflexion autour du projet, l'aspect de la communication
a pris des détours éthiques inattendus.

L'urgence n'était pas dans les délais mais dans la manière de
faire. Tout était à construire et les valeurs fondamentales de
notre projet à définir.

Ainsi, ils rejoignent notre communauté d'artistes, ils s'intègrent
au projet non pas à distance mais en création directe et
permanente, autour de chaque projet.

\section{Genèse / Festival d'ouverture: «Et en avant la grosse caisse!»}

Festival d'ouverture dédié à la création au sens large. Un jour une
création par créateur. Parce qu'il y a toujours, un commencement
ou, dans ce cas précis, un recommencement ou pour être plus précis
encore une renaissance. Théâtre, danse, musique, performances,
premières étapes de travail, exposition, invités, buffet\ldots{}

1er jour / 19 Septembre / Pierre Megos: Au premier jour de la
genèse, Pierre Megos aura une Vision Hollywoodienne du monde. Dés
lors, il n'hésitera pas à convoquer les plus grands pour répondre à
ses attentes de Dieu créateur. Comme une première pierre posée sur
l'édifice de sa propre apocalypse, mi-homme, mi-Dieu, il??? A
voir!

2e jour / 20 Septembre/ Léa Drouet/ Camille Mutel: Et les femmes
furent. L‘une apparut coincée sous une porte, seule face à Dieu, à
la nature mais certainement face à sa mort. Les Elégies de Duino
s'élèveront comme un chant en ce deuxième jour de création. L'autre
apparaitra, également, en objet femme sculpté par la lumière. Nu
mais amputé, sublimé. Effraction de l'oubli nous montre un corps
mais que nous montre ce corps?

3e jour/ 21 Septembre/ Claude Schmitz: Le Dieu créateur décida
d'expulser la branche malade de son royaume. Celui-ci fut condamné
à l'errance en attendant de retrouver le chemin de la lumière.
Claude Schmitz proposera le premier épisode du Salon des refusés,
faisant référence au salon éponyme de 1863. Un salon qui accueillit
les fondateurs de la modernité.

4e jour / 22 Septembre/ Thomas Turine: Le créateur s'occupa de
mettre dans le ciel, quelques constellations…88C pour être précis.
Alors, on entendit dans le ciel s'élever comme un chant tel une
errance de désirs, de pulsions. Un théâtre musicalement vôtre.

5e jour / 23 Septembre/ Odile Vansteenwinckel / François
Beukelaers: Parce qu'il fallait bien vivre, le Créateur inventa
l'argent et l'homme posa cette question: «Ô créateur, qu'est-ce
que l'argent?» à quoi le créateur ne répondit pas. L'homme attend
toujours la réponse.

6e jour / 24 Septembre/ Yves Igor: Le créateur donna la parole.
Mais il n'est pas toujours aisé de la maîtriser, d'où décalage,
d'où play-back. L'éloge du play-back! Sommes-nous certain, à
partir d'une certaine limite d'entendre ce que l'on voit? De voir
ce que l'on entend?

7e jour / 25 Septembre / Stéphane Arcas: Le dernier jour, le
créateur se retourna contre sa créature pour la détruire et ne
laisser que la femme en son jardin. Scum manifesto de Valérie
Solanas. «Venez voir ce manifeste scénique, il vous dira qui je
suis» paraphrase Arcas!

\section{Stéphane Arcas}
\playtitle{L'argent}

\startinfos
Du 6 au 15 octobre 2011 à 20h30 \crlf
Amphithéâtre \crlf
Relâche le dimanche et lundi \crlf
Création 
\stopinfos

Voici un projet emblématique de notre saison. L'argent lié à la
mort. Et il se peut que le fait qu'il se fasse sans l'argent
attendu, le rende plus vivant que jamais.

Il est de plus en plus difficile d'estomper le fossé entre ceux qui
n'ont rien, même pas les mots, ceux qui ont de moins en moins et
ceux qui ont tellement qu'ils ne savent plus comment le cacher.
Pendant de la misère, le profit doit se montrer. Depuis longtemps,
les classes dominantes savent qu'il faut sauver les apparences;
l'éducation de la domination passe par des codes. D'être mort à
soi-même, d'être un mort vivant ne fait même plus mal. S'interroger
sur son destin est déjà un luxe. Est-il licite d'être pauvre et
malheureux? Que m'est-il permis de vivre?

L'argent est une comédie qui se joue de la perception qu'on a du
réel. Elle se rit de l'importance démesurée qu'on accorde à notre
existence fugace. C'est une vanité

L'argent est un projet qui parle de la mort. De l'homme qui, sa vie
durant, considère son temps comme son argent. Il y a d'un côté ce
qu'il a dépensé et de l'autre, ce qu'il devrait lui rester en
tenant compte des imprévus. Sur le même principe, pour estimer la
valeur de l'existence terrestre, l'homme se réfère à la Mort. Il
s'agit d'un absolu qui va au delà de son état physique. On ne
limite pas l'argent au métal comme on ne limite pas la mort aux
cadavres. On ne peut alors, d'une part, que juger de notre
existence en fonction de ce que l'on présume de la Mort. Et de la
même façon, on ne peut accepter l'idée de notre mortalité qu'en
comparaison avec notre vécu. C'est sur ce tragique dilemme que se
bâtit cette comédie. Et le diable rit avec nous.

\startdescr{Mise en scène et écriture}
Stéphane Arcas
\stopdescr

\startdescr{Assistanat}
Cécile Chèvre
\stopdescr

\startdescr{Avec}
Marie Bos, Nicolas Luçon, Claude Schmitz, Philippe Sangdor
\stopdescr

\startdescr{Scénographie et costumes}
Marie Szersnovicz
\stopdescr

\startdescr{Lumière}
Margaret Andersen
\stopdescr

Une production du Théâtre de La Balsamine.

\section{Les gens d'Uterpan}
\playtitle{Avis d'Audition}

\startinfos
Le 18 octobre 2011 à 20h30
Amphithéâtre
\stopinfos

Avis d'audition est une audition programmée et présentée en tant
que pièce. Les spectateurs assistent à toute la durée de
l'audition, entendu qu'aucune délibération n'est effectuée en
dehors de ce temps. Les danseurs sélectionnés rejoignent la
compagnie les gens d'Uterpan.

\framed[location=middle, align=justify, offset=16pt]
{Avis d’Audition

Pour la poursuite de leurs travaux portant sur les normes qui régissent les
modalités de représentation du vivant, les chorégraphes Annie Vigier et
Franck Apertet souhaitent rencontrer danseuses/danseurs contemporains
intéressés par l'expérimentation d'attitudes nouvelles en matière de
création.  Une audition publique aura lieu le mardi 18 octobre de 20h à 23h
sur le plateau du Théâtre de la Balsamine, à Bruxelles.  Les
danseuses/danseurs retenus après la première étape de sélection recevront
une indemnité forfaitaire de 75 euros brut.  Les interprètes recrutés à
cette audition seront amenés à activer plusieurs pièces de la compagnie
(calendrier en cours) Conditions financières: répétition, 12 euros brut de
l’heure - cachet performance, entre 100 et 250 euros brut, en fonction des
pièces activées.  Les danseuses/danseurs intéressés par l’audition doivent
envoyer avant le 01/10/2011, un CV + une photo simple ainsi qu’une lettre
de motivation à l'adresse: uterpan@voila.fr
}

Après étude de ces documents, une convocation sera retournée aux
participants retenus. Annie Vigier et Franck Apertet

Les chorégraphes Annie Vigier et Franck Apertet s'interrogent sur
les normes qui régissent la danse et le spectacle vivant. Leur
travail passe entre autre par une prospection des normes qui
régissent la danse et le spectacle vivant. Leur travail passe entre
autre par une prospection des limites du corps et de la
représentation. Cette démarche opère une redéfinition de la
pratique du danseur et de sa fonction d'interprète. En intervenant
dans différents cadres de monstration, ou en s'y adaptant, ils
formulent de nouvelles modalités d'apparition, de production et de
lecture de la danse. Cette interprétation de la présence physique
exacerbe les places qu'occupent le spectateur et le chorégraphe
dans ces processus. Initiées dans des collaborations innovantes
entre opérateurs culturels de secteurs différents, leur démarche
intègre l'assemblage économique en tant que composante artistique.
C'est ansi que le secteur des arts plastiques s'engage sur ce
travail en un partage de point de vue et de mise en relief des
réponses apportées.

Accueil Danse

L'association «Les gens d'Uterpan» en résidence au CAC Brétigny
est subventionnée par le Département de l'Essonne et le CAC
Brétigny, équipement de la Communauté d'agglomération du Val
d'Orge. Convention de permanence artistique et culturelle avec la
Région Ile-de-France.

\section{Foofwa d'Imobilité}
\playtitle{Au contraire (à partir de Jean-Luc Godard)}

\startinfos
Du 20 au 22 octobre 2011 à 20h30 - Amphithéâtre Danse - Recréation
2011 – nouvelle version – 50 minutes
\stopinfos

Il y a quelque chose de l'ordre du rayonnement chez Foofwa. Bien
qu'en ces temps incertains, il n'est pas bon de se faire irradier,
l'appel de ce corps magnétique nous invite à une humeur très
guillerette. Spectacle référentiel à Godard, écrit comme un roman
d'amour. Il faut partager le temps d'une errance, ce questionnement
sur l'art, cette citation dansée, ce glissement furtif de pas
cinématographiés.

Tout est question de cadre, de l'espace dans l'espace, de la forme
réinventée à la limite du «fleur bleue» assumé. Des enfants qui
attendent le «moteur» pour tourner sur eux-mêmes et le
«coupez!» pour reprendre le souffle en bout de course. Dialogue
constant entre la vie et le cinéma, entre l'art et la danse, entre
la prise de son et la prise de la parole, entre poésie et ludisme.

«Il en est des beaux spectacles comme des lettres d'amour. On les
décachette en catimini, on s'attarde sur les taches d'encre, on
s'étourdit de chaque signe. Ces lettres sont des ex-voto: on y
revient les soirs de marée basse, puisqu'elles paraissent tout
promettre. Au contraire (à partir de J-L Godard) sort de cet
encrier. Au Théâtre du Grütli, à Genève jusqu'à samedi, le danseur
genevois Foofwa d'Imobilité s'inspire du cinéaste d'A bout de
souffle, de son art de l'anacoluthe, rupture de syntaxe qui est
l'apanage de ceux qui ne sont jamais dupes de la forme. S'inspirer
de Godard? Pas comme on l'entend. Foofwa d'Imobilité et son
complice Antoine Lengo tournent autour du patriarche comme des
enfants déguisés en Sioux autour d'un totem. Ils ne restituent pas.
Ils citent, comme par distraction, et s'amusent de leurs boucles,
auxquelles participent deux merveilleux partenaires, Manon Andersen
et Yann Aubert. Ils signent ainsi un spectacle potache et lyrique;
réversible aussi, avec une face peau douce, une face disque dur,
double vie pour un discours sur l'art – et une interrogation sur la
présence. Qui suis-je, quand j'erre en scène?» Le Temps (17
février 2011), extrait de l'article «Godard entre dans la danse»
par Alexander Demidoff

Un moyen-métrage scénique de Foofwa d'Imobilité en dialogue avec
Antoine Lengo, créé en 2010 dans le cadre des Sujets à Vif,
coproduction SACD/Festival d'Avignon.

\startdescr{Ecriture, chorégraphie et mise en ciné(ma)tique}
Foofwa d'Imobilité et Antoine Lengo
\stopdescr

\startdescr{Avec}
Manon Andersen, Foofwa d'Imobilité, Yann Aubert, Nieth Leang-Srey,
Antoine Lengo et Jonathan O'Hear
\stopdescr

\startdescr{Mise-en-son}
Antoine Lengo
\stopdescr

\startdescr{Lumières}
Jonathan O'Hear
\stopdescr

\startdescr{Costumes}
Coco Charnel
\stopdescr

\startdescr{Médiation musicale}
Charlemagne Palestine et Israël Quellet
\stopdescr

Une production du Neopost Ahrrrt. Coproductions avec le Grü/Théâtre
du Grütli, SACD/Festival d'Avignon. Soutiens: la Loterie Romande,
la Ville de Genève, la République et canton de Genève et Pro
Helvetia.

\section{Nathalie Mauger}
\playtitle{L'indigène de François-Xavier Kroetz}

\startinfos
Du 25 octobre au 29 octobre 2011 à 20h30 – Studio Création mondiale
en français
\stopinfos

«Dans l'Indigène, Kroetz structure son œuvre dans un cadre (le
genre marionnette) et avec des référents culturels (contes
allemands, tradition religieuse, mémoire collective populaire),
mais il le fait en opérant une distorsion. Cette distorsion n'a
rien de cynique: elle ne se moque pas de la force des univers de
référence. Au contraire, elle les absorbe et utilise leurs moyens
d'action comme leur force d'impact. Cette distorsion colorera tous
les niveaux de ce petit monde que je voudrais faire exister dans le
spectacle. Un petit monde articulé, animé, illustré.

J'ai envie de retrouver la force des termes qu'emploie Kroetz à
propos du théâtre de marionnette: cru et éclatant, coloré et
rapide, court et bon. Je voudrais que le spectateur soit convié au
plaisir d'une innocence retrouvée, d'un autre âge, celui de
l'enfance et de la foi, de la transcendance. Quel théâtre demande
plus une adhésion de son public que le théâtre de marionnette? Une
croyance dans l'histoire en train de se faire sous ses yeux. Et
donc aussi la foi dans un monde et son Grand Créateur. Mais dans
toute cette harmonie il y a une faille. Et l'histoire portée par
ces «ficelles» du théâtre de marionnette n'est absolument pas une
histoire pour enfant. Où mène la confrontation de cette beauté, de
cette naïveté, de cette foi, convoquées par la pièce avec le
désespoir de la fable?

Dans l'Indigène également, la chair me parait être l'enjeu de la
représentation, par-delà l'identité individuelle. Mais
l'utilisation esthétique du code des marionnettes permet une
distorsion. Et, au contraire de l'exhibition du corps, la
marionnette/acteur amènera une dédramatisation. C'est un acte de
représentation.

Si alors
l'apparition de la chair dans ce corps hétérogène, acteur/marionnette, fera choc, sera transgressive, c'est que, confrontée à l'«artificiel» de la marionnette, elle manifestera quelque chose du
mystère de l'humain. Il y aura (sans froideur ni distance du fait
du plaisir que suscite le code enfantin utilisé) une dialectique.
Comme chaque fois qu'on interroge le langage du jeu, l'acte de
montrer perd de sa fausse innocence.

L'acte de montrer la chair n'est jamais anodin, il peut-être
vulgaire ou obscène, racoleur. Banalisé également par nos habitudes
cathodiques. Ces exhibitions du risque de soi ont souvent comme
limite involontaire de congédier le sens, toujours posé comme en
deçà de l'expérience inouïe de la représentation.» Nathalie
Mauger/ état de ma réflexion / octobre 2009.

\startdescr{Mise en scène}
Nathalie Mauger
\stopdescr

\startdescr{Avec}
Mathilde Lefèvre, Jérôme de Falloise, Jean-Baptiste Szézot, Sarah
Lefèvre\ldots{}
\stopdescr

\startdescr{Scénographie}
Johan Daenen et Nathalie Mauger
\stopdescr

\startdescr{Costumes}
Christine Pickeray
\stopdescr

\startdescr{Assistante de production}
Françoise Fiocchi
\stopdescr

\startdescr{Conseillère artistique}
Hélène Marini
\stopdescr

Une production la Cie L.E.F.T. asbl, avec l'aide du Ministère de la
Communauté française-service théâtre, du Groupov, du Théâtre de la
Balsamine et du Théâtre de L'Ancre.

\section{Léa Drouet}
\playtitle{Quelqu'un va venir de Jon Fosse}

\startinfos
Du 8 au 17 décembre 2011 à 20h30 – Amphithéâtre Relâche dimanche et
lundi
\stopinfos

Léa Drouet dans une extension affinée de sa recherche se penche sur
Jon Fosse, auteur norvégien, qui rend la scène extrêmement
instable. Auteur abstrait à l'écriture épurée, il offre une matière
théâtrale qui met en tension le spectateur, entre contemplation et
action. On le dit extrêmement influencé par l'écriture de Beckett.
En ce sens, on sent l'auteur dans l'écriture, il est en recherche
de littéralité comme Léa en quête de théâtralité. Une ligne de
fuite vers un certain formalisme assumé.

Avec Quelqu'un va venir, elle tente à nouveau de faire coexister
l'interprétation d'un système précis et la fragilité du direct.
Aborder l'inquiétude (qui peut être aussi un état d'écoute extrême)
face aux éléments instables, à ce qui pourrait advenir, à ce que
nous attendons sans savoir, inquiets: l'apparition de ce qui
pourrait troubler une stabilité désirée mais mortifère. Un couple
dans une maison. Ils attendent, ce qu'ils pressentent, c'est le
désastre, l'arrivée de celui qui va venir.

\starttyping
ELLE
    Maintenant nous sommes arrivés près de notre maison 
LUI
    Et c’est une jolie maison 
ELLE
    Maintenant nous sommes arrivés près de notre maison
    Près de notre maison 
    Où nous serons ensemble
    Toi et moi seuls
    près de la maison
    où toi et moi serons 
    seuls ensemble
    Loin des autres
    La maison où nous serons ensemble 
    seuls
    l’un près de l’autre
LUI
    Notre maison
ELLE
    La maison qui est à nous
LUI
    La maison qui est à nous 
    La maison où personne ne viendra 
    Maintenant nous sommes arrivés près de notre maison 
    La maison où nous serons ensemble 
    seuls 
    l’un près de l’autre 
\stoptyping

La première approche de son équipe artistique est liée à une
exploration du langage en tant que matière. Les sujets des textes
travaillés sont le point de départ d'un travail formel et poétique
ou ils tentent de se défaire du familier et du naturalisme.

La réflexion sur le théâtre qu'ils construisent se fonde sur le
rapport entre évènements et temporalité, sur des expérimentations
sensorielles et l'étude précise des structures formelles et
musicales des textes travaillés.

C'est dans le temps et le frottement entre l'exécution d'une
structure contraignante et l'interaction entre les différents
interprètes, voix, son, lumières, exécutés en direct, qu'ils
guettent le vivant.

La scénographie n'est pas envisagée comme un décor, mais comme la
matérialisation des sujets et de la structure d'un texte par
l'utilisation de formes et de matières. La lumière est autant
rythmique que scénographique. Le son n'est ni décoratif ni
narratif.

\startdescr{Mise en scène}
Léa Drouet / Assistanat Ulrike Günther, Nicolas Mouzet
\stopdescr

\startdescr{Avec}
Mathilde Lefevre,Jean-François Wolff, Gaëtan Lejeune
\stopdescr

\startdescr{Lumière et scénographie}
Matthieu Ferry Costumes Marie Guillon de Masne
\stopdescr

\startdescr{Stagiaire construction}
Laure Cerbelaud
\stopdescr

\startdescr{Régie générale}
Leo Liotard
\stopdescr

\startdescr{Son}
David Stampfli

\startdescr{Conseiller}
Nicolas Mouzet-Tagawa
\stopdescr


Une production du Théâtre de la Balsamine et de l'asbl LD Une
coproduction du Centre Culturel André Malraux de Vandoeuvre- lès-
Nancy et de L'Actée Théâtre (Cosnes)

\section{Raphaëlle Blancherie}
\playtitle{Nœuds}

\startinfos
Du 29 février au 10 mars 2011 à 20h30 – Studio Relâche dimanche et
lundi Création
\stopinfos

«Après l'INSAS (interprétation dramatique) et dix années de
pratiques théâtrales, j'ai repris des études en psychologie pour
aller à la rencontre d'une réalité outillée d'une nouvelle
dimension théorique. Aujourd'hui licenciée en psychologie clinique
avec un mémoire portant sur «le théâtre en tant qu'outil médiateur
avec des sujets psychotiques» je participe, encadre et anime divers
projets socio-artistiques et cherche à diversifier ma pratique et
le public susceptible de s'y intéresser\ldots{} ambassadrice pour
article 27 à ses débuts, je poursuis aujourd'hui une réflexion sur
le sens et les pratiques culturelles dans notre société. Mes
différentes expériences en tant que comédienne mais aussi en tant
qu'assistante et psychologue ont aiguisées mon intérêt pour
l'organisation de projets en collaboration avec une équipe.
L'expérience d'atelier théâtre au centre Antonin Artaud (centre de
jour psycho-social pour adultes) m'a permis de me confronter à la
réalité psychiatrique et au travail théâtral avec des amateurs qui
ont relancé mon intérêt pour la scène. Professeur d'art
d'expression, j'ai dirigé 3 mises en scènes au collège St Pierre
avec un public d'adolescents. La mixité et la variété des publics
que j'ai eu l'occasion de rencontrer m'a donné envie de fonder une
ASBL qui s'enrichirait de leurs apports mutuels, que ce soit des
gens issus des milieux artistiques que je côtoie, des adolescents
en quête d'un soutien voir d'un accompagnement thérapeutique ou des
personnes qui sont en phase de sortir des institutions existantes.
C'est la mise sur pied de projets artistiques dans la sphère
citoyenne qui reposeraient sur le droit à l'échange dans la
diversité, à la frontière entre mon métier de comédienne et celui
plus récent de psychologue, qui me tient à cœur. La nécessité
d'entamer un processus de création artistique qui viendrait
témoigner de ces diverses expériences mais aussi leur donner une
nouvelle forme d'expression est à l'origine de Nœuds. En concevant
ce projet, je me pose la question d'une psychologie collective et
intime à la fois qui parlerait de l'être humain dans la complexité
qui le façonne, des nœuds et des liens qu'il entretient avec
lui-même et les autres.

Le théâtre de la Balsamine m'apparait comme un espace idéal pour
mener cette réflexion parmi d'autres projets à mettre en
perspective pour réagir au consumérisme actuel et expérimenter un
processus en le laissant se déployer sans avoir à appliquer des
formules toutes faites ce qui me parait en plein accord avec la
démarche analytique proprement dite.»

Raphaëlle Blancherie

\startdescr{Conception}
Raphaëlle Blancherie
\stopdescr

\startdescr{Avec}
Raphaëlle Blancherie, Karine Jurquet
\stopdescr

\startdescr{Lumières}
Xavier Lauwers
\stopdescr

\startdescr{Création sonore}
Thomas Turine
\stopdescr

En coproduction avec le Théâtre de la Balsamine, le soutien de la
Bellone, Vrac l'Escault et l'aide du Ministère de la Communauté
française, Service du Théâtre.

\section{Sabine Durand}
\playtitle{Le banquet dans les bois ou une histoire de Titus et de Comme il vous plaira.}

\startinfos
(à partir de Titus Andronicus et de Comme il vous plaira de William
Shakespeare) Du 20 au 31 mars 2012 à 20h30 – Amphithéâtre Relâche
dimanche et lundi Création
\stopinfos

Elle dit de sa praxis:

\startblockquote
«Ma pratique du théâtre n'est accompagnée d'aucune évidence que je
puisse formuler de manière solide et certaine. Je sais simplement
que cette pratique est sans raisons et qu'elle trouve là sa raison
d'être. Je sais aussi que cette absence de raisons ne me laisse
jamais tranquille. Je crois que c'est la raison pour laquelle les
spectacles que je fais sont des spectacles qui ont le théâtre pour
objet. Je crois aussi que c'est la raison pour laquelle je
travaille avec des textes classiques. Ils me permettent de tenir le
théâtre en vanité. Travailler avec des textes classiques, c'est
pour moi comme de vouloir peindre la peinture. Et de vouloir
peindre de manière figurative une peinture qui, elle, ne l'est pas.
Il ne s'agit pas de monter des textes mais de représenter ce qu'ils
représentent. Et de le faire sans raisons apparentes.»
\stopblockquote

Elle dit de sa matière:

\startblockquote
«Au mois de mars 2012, je vais présenter un travail conçu à
partir de deux pièces de Shakespeare: la comédie Comme il vous
plaira et la tragédie Titus Andronicus. Dans Titus Andronicus,
Titus, le père de celle dont je fais mon héroïne, est invincible
par les armes. A Rome, il est inattaquable dans son honneur et dans
sa loyauté. Il sera vaincu cependant dans la chair de sa chair.
Dans la virginité de sa fille, Lavinia, violée et mutilée en forêt.
De Titus Andronicus, je ne garde que ce bref motif: la fleur de
Lavinia comme talon d'Achille de la puissance deTitus. Ce bref
motif, je souhaite comme l'inoculer dans la plaisante et vaste
foret d'Arden de Comme il vous plaira. La forêt d'Arden, c'est la
terre d'exil du père de ma seconde héroïne de comédie, Rosalinde.
Dans cette forêt, le père est tout à la fois libre et subjugué. Il
ne règne sur rien, sinon sur les arbres saisis par le froid et sur
les biches qu'il tue et mange. Ce domaine de grand exil devient,
dès l'arrivée de la chair de sa chair déguisée en homme, le vrai
lieu de toutes sortes d'amours de théâtre. Je propose ce projet car
j'ai envie de mettre en scène les fantasmes et les chimères de
l'amour et du désir. J'a, également, le désir de continuer plus
avant un travail d'écriture personnel à partir d'œuvres qui, pour
une raison ou pour une autre, sont les pierres angulaires d'un
imaginaire collectif. C'est la première fois que je vais faire se
rencontrer deux pièces différentes sur un même plateau, et cette
proposition va me demander une plus grande implication personnelle
dans la mise en écriture de l'écriture d'un auteur. Quant à l'envie
d'inoculer un motif tragique extérieur dans la forêt de Comme il
vous plaira c'est, nonobstant les corrélations motivées que je peux
faire entre ces deux pièces, une envie un peu plus expérimentale
dans ce sens où elle ne procède pas, en premier lieu, d'une idée ou
d'une dramaturgie verrouillée mais aussi d'un désir disons «plus
hasardeux» de voir ce que cela va donner\ldots{}»
\stopblockquote

\startdescr{Mise en scène}
Sabine Durand
\stopdescr

\startdescr{Avec}
Céline Beigbeder, Jean Debefve, Claude Schmitz, Thibaut Wenger…
\stopdescr

\startdescr{Scénographie}
Valérie Jung
\stopdescr

\startdescr{Accompagnement dramaturgique}
Martine Wijckaert
\stopdescr

Une production de Six--65 Compagnie et du Théâtre de la Balsamine.
Avec l'aide du Ministère de la Communauté française
Wallonie-Bruxelles, service du Théâtre.

\section{Odile Vansteenwinckel François Beukelaers}
\playtitle{Qu'est-ce que l'argent?}

\startinfos
Du 17 avril au 24 avril 2012 à 20h30 – Relâche dimanche Création
\stopinfos

Nous voulons raconter l'argent fiction, la fiction qu'est l'argent,
tout en sachant qu'il s'agit là de l'institution mondiale la plus
ancrée et la plus incontournable. La plus absolue. Nous allons nous
appuyer sur un évènement qui a pris part à la réalité, et qui en
même temps est celui d'un artiste qui cherche à affronter les
préoccupations économiques de notre actualité. Avec sa vérité.
L'artiste est justement celui qui remet en cause le monde
terriblement installé des banquiers, l'institution la plus
puissante. Il la rend bancale. Il s'agit donc du débat organisé
autour de Joseph Beuys (artiste plasticien – performer) et
d'éminents économistes - banquiers allemands qui a eu lieu à Ulm
(Allemagne) en 1984. La question qu'ils posent «Qu'est-ce que
l'argent?» nous mène sur un terrain très glissant. Elle nous
renvoie à cette notion sans fin: Qu'est-ce qu'une valeur? Notre
argument le plus fort nous vient de Marx, lorsqu'il dit que le
concept même du «rapport d'échange» implique une valeur relative,
et procède par abstraction.

Lorsque, dans notre actualité politique, se produit l'évènement
suivant: L'Etat qui doit venir en aide aux banques en «faillite»
(qui sont par essence des organismes privés, des entreprises), et
qu'à la suite de ça, des clients ont eu à réaliser que des sommes
d'argent «placé» avaient tout simplement disparues, on se demande
comment de l'argent peut brusquement ne plus exister. On se demande
bien ce qu'est devenu aujourd'hui la matérialité de l'argent, sa
substance, son existence concrète. Avec le cas Fortis, l'argent est
comme s'il n'avait jamais existé. Et pourtant il a bien été
manipulé. L'argent est de plus en plus virtuel en même temps qu'il
s'auto maintient, car tout est toujours traduit en argent dans le
monde. Alors l'argent a-t-il une fin? Existe-t-il une finalité à
l'argent?

Ce que Joseph Beuys et les économistes cherchent à découvrir,
c'estsi nous avons encore une prise sur l'argent ou s'il est à la
merci de réglementations à la dérive, devenant de plus en plus
esclave des complexités au niveau du marché mondial. L'argent
deviendrait-il de plus en plus in maîtrisé, de moins en moins géré,
ou de plus en plus mal géré? Le serpent finira-t-il par mordre sa
propre queue?

Surtout et essentiellement, la valeur de l'argent n'est-elle pas de
plus en plus fictive? Jusqu'où peut-on rendre relative une
valeur? Aujourd'hui, pour un public de tout venants, nous voulons
rendre extrêmement accessible cette question primordiale. Nous
voulons mettre en jeu sa dimension absurde dans «l'évènement
argent». Car au final, dans quelle mesure ou démesure
conditionne-t-il nos existences?

Il s'agit, ici, d'écrire notre propre odyssée de l'argent, à la
manière de L'odyssée de l'espace de Kubrick, qui crée l'histoire de
l'ingéniosité humaine dans sa découverte de l'outil.

\startdescr{Écriture et dramaturgie}
Odile Vansteenwinckel
\stopdescr

\startdescr{Mise en scène}
François Beukelaers et Odile Vansteenwinckel
\stopdescr

\startdescr{Avec}
François Beukelaers, Marie Bos, Laurent Caron, Odile
Vansteenwinckel…
\stopdescr

 En co-production avec le Théâtre de la Balsamine, avec l'aide du
Ministère de la Communauté française- service théâtre

Première étape: La Bellone, janvier 2011

\section{Uiko Watanabe, Hako Onna 箱女 }
\playtitle{La femme-Boîte}

\startinfos
Du 25 au 28 avril 2012 à 20h30 – Amphithéâtre Création
\stopinfos

\startblockquote
«La femme vit avec les quatre saisons et les quatre saisons
peuvent symboliser la vie d'une femme.

On peut imaginer la vie dans son entièreté symbolisée par les
saisons: la jeunesse le printemps, l'âge adulte l'été, la
vieillesse l'automne et l'approche de la mort l'hiver; mais on
peut aussi penser que ce cycle vient plusieurs fois dans une vie,
par exemple quand je ne travaille pas j'ai l'impression d'être en
hiver. (…)

Je voudrais mettre l'image du cerisier dans le spectacle, je pense
à l'image de fleurs de cerisier tombant comme de la neige. S'il y a
quelqu'un qui regarde tous les changements saisonniers sans rien
dire, c'est l'arbre. Pour les Japonais, l'arbre est le symbole des
quatre saisons qui passent. Ce n'est pas nous qui bougeons, ce
n'est pas nous qui dansons: le temps passe, et nous nous mettons
en mouvement avec lui, par lui - mais il existe sans toi! (De la
même manière que le bonheur existe sans toi: ce n'est pas toi qui
fait le bonheur, le bonheur existe en dehors de toi!) L'arbre ne
bouge pas, ilaccepte le temps qui passe, il regarde les saisons
passer devant lui et en même temps change avec elles. Je voudrais
vivre comme l'arbre. (…)

Il y a un livre très connu au Japon qui s'appelle «Hako Otoko»,
ce qui signifie «L'Homme-boîte». C'est un livre de l'écrivain
Kôbô Abe. C'est l'histoire d'un homme qui trouve dans son jardin un
homme dans une boîte. Intrigué, il essaie de comprendre ce que
c'est d'être dans une boîte. D'abord quelques heures par jour dans
la maison,puis à l'extérieur aussi, il passe une boîte par
au-dessus de sa tête, avec une fente pour les yeux. Ca change ce
qu'on voit du monde: seulement devant et par en-dessous; il
trouve cela bien. Il passera sa vie depuis cette boîte, coupé de la
société, et sans nom. Le titre de cette pièce vient de ce livre.
(…)

Quand je ne suis pas sur scène je suis toujours en train de me
regarder et de me juger quoi que je fasse. Voilà la raison du titre
«La femme- Boîte». Cette femme dans la boîte c'est quelqu'un de
très renfermé qui me regarde dans la société, c'est un
\quotation{moi} qui regarde plusieurs différents
\quotation{moi}depuis l'intérieur de la boîte: qui est heureuse,
qui ne peux pas être sociable, qui fait des bêtises, et qui veux
m'aimer. Si cette personne dans la boîte n'existe pas je ne peux
pas exister. La première fois que cette femme qui me regarde est
apparue dans ma vie, j'avais 16 ans, j'étais au lit anorexique et
elle me regardait en pensant «quelle idiote»; si elle pensait ça
elle aurait pu m'aider mais elle ne m'aidait pas, elle ne faisait
que regarder. Mais si cette personne n'avait pas été là je sais que
je serais morte. Depuis, quand je ne vais pas bien, elle est
toujours là. (…)

Je suis encore inexpérimentée. Peut-être que je ne peux pas rendre
tout le public heureux. Mais je voudrais que ma pièce fasse que le
public se rappelle son propre bonheur. Cette boîte est le lieu où
les autres ne peuvent pas rentrer, et aussi où la femme de
printemps, été, automne, et hiver habite.»

Uiko Watanabe
\stopblockquote

Avec Kimiko Otaka, Mioko Yoshihara et Uiko Watanabe

Production Théâtre de la Balsamine, avec le soutien du Grand Studio

\section{Kyong-a Ryu}
\playtitle{Board on, on board}

\startinfos
Du 30 mai au 2 juin 2012 à 20H30 – Amphithéâtre Création Danse
\stopinfos

BOARD ON – ON BOARD pour 4 danseurs et 4 grands panneaux blancs est
une chorégraphie de 60' inspirée des hypothèses des anciens grecs
sur les 4 éléments - feu, air, terre, eau, et des architectures, -
théories architecturales, contemporaines du XXIème siècle
L'inclinaison des panneaux, modifiée par la danse, transforme
l'espace indéfiniment. Fragiles à manipuler, ces panneaux suspendus
offrent des configurations surprenantes qui à leur tour interfèrent
sur les mouvements des danseurs.

BOARD: surface, panneau, cloison, mur Vertical il ferme,
horizontal il ouvre l'espace - on s'y assied, dans le bateau ou
l'avion. Platon parle des différentes architectures de ces éléments
qui se différencient par le nombre de surfaces. BOARD ON, le lieu
sur le quel je place le panneau. ON BOARD ce que je place sur le
panneau: architecture.

Comme ses précédents objets chorégraphiques, Kyong-a nous propose
quelque chose d'insaisissable, une plongée dans la matière comme
prolongation du corps. Elle crée un lieu qui ne se trouve à aucun
endroit comme une île mystérieuse qu'elle convoque qui est le fruit
d'une longue réflexion et passera par une dense recherche.

“ Les créatrices se partagent la part du Lion au Festival Danse
Balsa Marni Raffinerie. Et elles marient plus que jamais danse et
arts plastiques. Kyung-a Ryu livre une impressionnante MISS où deux
hommes évoluent au milieu de quatre arbres mutants. Evolutions au
sol, calligraphie en mouvement à l'aide de cordes, changements
réguliers de lumières recréant l'espace entièrement…Quelque chose
d'insaisissable prend vie sous nos yeux, fait de vitesse et de
lumière ( \ldots{}) “ Jean-Marie Wynants, Le soir, à propos de
«MISS», son précédent spectacle

La présence, l'utilisation, le contrepoint, la partition de lumière
est fondamentale dans son travail. La qualité, la couleur, la
direction de la lumière, le diamètre du faisceau, l'emplacement
précis de la source, sa réflexion, ce qu'elle traverse.

Le travail de Kyung-a ne raconte pas une histoire à proprement dit.
Kyung-a parle des sociétés, de la maison, du village en hiver, de
la vie, de l'univers, de la vie, de la mort, de l'amour, de la
guerre, un rêve de paix.

\startdescr{Chorégraphie, scénographie}
Kyung-a Ryu
\stopdescr

\startdescr{Danseurs}
audition à la Raffinerie, Charleroi-danses en juin 2011
\stopdescr

\startdescr{Créateur lumières}
Gwen Laroche
\stopdescr

\startdescr{Compositeurs}
Baudouin de Jaer et Slavek Kwi
\stopdescr

Une coproduction de Noodik Production, du Théâtre de la Balsamine,
et la Raffinerie(Charleroi /Danses). Avec le soutien de la
Communauté Française, Service Danse.

\section{Elena Perez et Lise Wittamer}
\playtitle{Les moutons}

\startinfos
Du 19 au 28 juin 2012 à 20h30 – Studio Création
\stopinfos

\startblockquote
«L'important n'est pas ce qu'on fait de nous, mais ce que nous
faisons nous-mêmes de ce que l'on a fait de nous.»

Jean-Paul Sartre
\stopblockquote

--- Tu peux répéter Corinne? --- Bien sûr, l'important n'est pas ce
qu'on fait de nous, mais ce que nous faisons nous-mêmes de ce que
l'on a fait de nous. --- Merci Corinne.

Il s'agit de deux moutons, un blanc et un noir au sexe non défini
qui n'ont qu'un seul modèle: l'homme tel qu'ils l'imaginent:
intelligent, pervers, érotique, complexe, manipulateur, inventif,
cruel, spirituel, libéré sexuellement et perpétuellement angoissé
par la conscience de sa mort prochaine. Et cette fascination les
mènera ailleurs. Ils quittent la campagne et partent à la rencontre
des lumières de la ville. Ils trouvent refuge dans un zoo dans
lequel ils finissent par trouver un compromis satisfaisant (du
moins le pensaient-ils au début!) et dans lequel ils doivent sans
cesse faire l'effort de se souvenir de pourquoi ils sont là,
pourquoi ils ont fait ce choix de prendre leur liberté, ce choix
d'aller voir ailleurs s'ils y sont. Il faut avouer qu'une grande
paresse les caractérise, ils sont effectivement beaucoup dans la
parole et refont le monde, ce qui leur permet de refaire le monde
justement. En tous cas, deux tempéraments très différents mais
indissociables se dessinent. Le mouton noir, plutôt cynique et
cérébral, à tendance anarchiste et tyrannique, et le mouton blanc,
solaire, avec une fâcheuse tendance à l'enthousiasme et penchant
pour la naïveté et les joies de la séduction. Tous deux s'appellent
Corinne et sont indécrottables.

\startdescr{Porteuses du projet, auteurs, comédiennes}
Elena Pérez et Lise Wittamer
\stopdescr

\startdescr{Conseiller artistique}
Olivier Boudon
\stopdescr

\startdescr{Musicien}
Renaud Garnier-Fourniguet
\stopdescr

\startdescr{Scénographe}
Mathieu Chevallier
\stopdescr

Une coproduction du Théâtre de la Balsamine et de la Schieve
Compagnie. Avec l'aide du Ministère de la Communauté française –
service théâtre.

\section{Débats en chambre noire}

L'idée est de libérer la parole. Ou abolir le temps d'un débat le
«je ne parle pas comme je voudrais donc je suis», à prendre au
double sens. Simplement, nous sommes partis d'un constat. Le milieu
culturel dans lequel nous vivons est tellement restreint que la
parole se crispe de peur de blesser l'un ou l'autre et d'en subir
les conséquences. D'où l'idée de ne pas identifier la parole, juste
être dans le propos, dans l'écoute, ne plus penser que certains
mots soient tabous ou maudits et ce, parce que nous pensons qu'il
faut pouvoir entendre un discours qui ne s'autocensure pas.

D'où l'idée de convoquer deux personnes du milieu culturel pouvant
donner deux points de vue différents et contrastés sur la matière
choisie. Elles sont contactées par une tierce personne et ne seront
jamais identifiées. Ainsi, elles garderont l'anonymat et ne se
rencontreront pas entre elles. Leurs voix ne seront pas
reconnaissables afin qu'aucune ne puisse les reconnaître ou être
influencée par une voix familière.

Un premier temps de parole dirigée par le médiateur. Le public est
plongé dans l'obscurité et les deux intervenants sont séparés par
des isoloirs. La parole doit redevenir l'oxygène, ce par quoi on
respire et non l'inverse.

Dés lors, nous espérons que cette matière que nous pourrons
enregistrer, pourra être le point de départ d'autres débats ou
réflexions dans tous les milieux possibles. Nous espérons que la
presse pourra aussi, être le relais de ces questionnements en
prenant de la distance suite aux flots de paroles libres exposées.

\section{Isabelle Nouzha}

\startinfos
Atelier du 20 au 24 février 2012 de 10h30 à 17h – Foyer de la
Balsamine Le 25 février à 20H30 – Projection Films Isabelle Nouzha
\stopinfos

Deux axes à son endroit: celui de l'atelier et de la performance.

Pour ce qui est de l'atelier, il sera destiné aux adolescents et
consistera à développer des séquences d'animations qui pourront
être projetées sur les murs de la Balsa. Le stage durera une
semaine et, nous pourrons au terme de celle-ci jouer littéralement
avec les différentes animations sur les murs du théâtre.

Dans une même perspective, nous aimerions consacrer une soirée à la
projection de ses films, petites merveilles d'animation.

……….(à poursuivre)

\section{Ateliers et rencontres}

\subsection{Les Lundis Bla-Bla Balsa}

Effet de décalage horaire, nous vous proposons quelques rendez-vous
détournés afin de creuser une première approche avec la création en
cours. Les artistes se mettront à disposition et offriront la
possibilité de voir ou d'entendre un pan de leur matière en phase
de modelage. Le format de la présentation sera définie par eux et
s'axera selon leurs désidératas. Au delà de ce visionnement, il
vous sera loisible de les rencontrer afin de mieux appréhender leur
démarche et donner une première sensation sur ce qui aura été
partagé. Un membre de l'équipe du théâtre sera présent, également,
afin de répondre et d'élargir le débat aux autres artistes de la
saison ou à d'autres questions pratiques. L'idée n'est pas que vous
puissiez parler le même langage que l'artiste, mais dialoguer sans
hiérarchie prendre des risques, pour lutter contre l'isolement,
pour réconcilier la poésie et la ville, l'acte poétique et l'acte
politique. Le but de tout cela étant de vous convier à un repas
sommaire, sans les tralalas des grands soirs mais pour des bla-bla
sans restriction.

Réservation indispensable, petite restauration à prix coûtant: 5 €

Les lundis bla-bla Balsa autour de: Quelqu'un va venir le lundi 21
novembre à 18h 30 Nœuds le lundi 13 février à 18h 30 Qu'est-ce que
l'argent le lundi 26 mars à 1830

\subsection{Rencontres après spectacles}

Toutes les deuxièmes représentations, rencontres avec l'équipe
artistique.

L'argent Le vendredi 7 octobre 2011 Au contraire Le vendredi 21
octobre 2011 L'indigène Le mercredi 26 octobre 2011 Quelqu'un va
venir Le vendredi 9 décembre 2011 Noeuds Le jeudi 1er mars 2012 Le
Banquet Le mercredi 21 mars 2012 Qu'est-ce que l'argent Le mercredi
18 avril 2012 La femme- Boîte Le jeudi 26 avril 2012 Board on, on
board Le jeudi 31 mai 2012 Les moutons Le mercredi 20 juin 2012

\subsection{Les Slowdatings}

Pour les étudiants en arts du spectacle, nous proposons un vrai
temps de rencontre avec des artistes de la saison. L'inscription à
ce rendez-vous est ouverte, avec pour seul impératif d'avoir vu la
création, afin que l'échange soit plus profond. Attention nombre
limité de places.

Stéphane Arcas: le samedi 8 octobre 15h30- 18h30 Sujet? Nathalie
Mauger: le samedi 29 octobre 15h30--18h30 Sujet? Matthieu Ferry:
le samedi 10 décembre 15h30 – 18h30 Sujet?
